作り手の一覧
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Emui ~笑無為~
東京と徳島の2つの拠点で活動する、陶芸家・Emui（エムイ）こと、中川笑美さん。形はシンプルに、色はやわらかく。料理が盛られたときに、そっと表情を変えるうつわを作っています。自然体で穏やかな佇まいの中に、暮らしや食へのまっすぐな視線を持つ作り手です。 料理が主役の、日常に寄り添う器 中川さんの器づくりの軸にあるのは、「料理が主役」という考え方。器は飾るためのものではなく、料理と出会い、人が使ってはじめて完成するものだと考えています。 気合いを入れて作る日の食事も、疲れてさっと済ませたい日も。どんな場面でも気兼ねなく使えること、食卓に自然と手が伸びること。そんな“日常の道具”であることを大切にしながら、形やサイズ、使い心地を整えています。 徳島の景色を、色として写し取る 器のもう一つの特徴は、色に込められた徳島の風景。朝霧や夜空、夕暮れの山々など、身近な景色をイメージしながら、色に名前をつけて表現しています。 蕎麦の灰など、土地に根ざした素材を釉薬に取り入れる試みもその一つ。器の中に、徳島の空気や時間が、静かに息づいています。 自然体で、少し先へ 作家名「Emui」は、笑顔の「笑」と「無為（自然体）」から。無理をせず、けれど立ち止まらずに。今は器にとどまらず、オブジェなど新しい表現にも挑戦しています。 日常に寄り添いながら、使うたびに小さな発見があるように。中川さんは今日も、自分のペースで、土に向き合い続けています。
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加守田 太郎
― 手びねりで紡ぐ、やわらかさと凛の調和 ― 栃木県・益子の里山に窯を構える陶芸家、加守田太郎さん。工房に並ぶ器を手に取ると、まずその形のやわらかさに目を奪われます。 丸みを帯びた“ぼってり”としたフォルムに、どこか凛とした幾何学模様。一見、相反するように見える組み合わせを、太郎さんは筆で塗られた釉薬の濃淡によって、見事に調和させます。同じ形、同じ模様であっても、それぞれが異なる表情を見せるのは、そのにじみや揺らぎが生み出す“個性”ゆえでしょう。 作陶スタイルは、はじめから一貫して「手びねり」 父である加守田章二氏――“異才・鬼才”と称され、今なお多くの陶芸家に影響を与え続ける作家――の手法を受け継ぎながら、太郎さんは自然体で、自分の作陶スタイルを築いてきました。 気負うことなく、淡々と、楽しみながら作り続けてきた日々。その積み重ねが、太郎さんの器にある穏やかな魅力を育てています。 手に持つと、どこか安心する重み。口にあてると、やわらかく感じる飲み口。使うたびに「この器でよかった」と思わせてくれる、そんなうつわです。
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加藤 喜道
栃木県高根沢町を拠点に活動する、陶芸家・加藤喜道さん。一つひとつ丹念に描かれた赤絵の器は、細やかな模様を持ちながらも、料理や食卓にすっと馴染む佇まいを見せます。穏やかな語り口の奥に、探究心と静かな挑戦心を秘めた作り手です。 暮らしの中で、使われるための器 加藤さんの器づくりの根底にあるのは、「暮らしの中で使われること」へのまなざしです。器は飾り物ではなく、料理と出会い、人がいて初めて完成するもの。食卓という景色の中で、静かに役割を果たす存在でありたい——そんな考えが、作品の随所ににじみます。 ひとりの食卓であっても、自分自身を思いながら整えることで、その場は豊かな時間になる。器は、人と人の間に置かれるものであり、想いを受け止める道具なのだと、加藤さんは考えています。 赤絵がつくる、日常の「ハレ」 赤絵の器には、「ハレの日」という印象があります。けれど加藤さんは、特別な日に限らず、日常の中で使うことで、いつもの一日が少しだけ「ハレ」に変わると語ります。 好きな器や服、音楽など、自分の好きなものが身のまわりにあるだけで、もうすでにハレの日。加藤さんの赤絵は、そんな日常の感覚にそっと寄り添い、食卓を静かに彩ります。 決めすぎず、探し続けるという姿勢 模様や色、形に、あらかじめ決めた型は設けていません。昔の陶器や着物、街角で見つけた模様などをきっかけに、「面白い」と感じたものを描き続けるうちに、それらは少しずつ自分の模様へと変わっていきます。...
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北側 雄一
京都で作陶を続ける、陶芸家・北側雄一さん。形はシンプルに、色は控えめに。けれど、丁寧につくられていることが伝わってくる。そんな静かな存在感をもつ器を作る作り手です。 使うための器を、まっすぐに 北側さんの器づくりの軸にあるのは、「お気に入りの器として、日常で使ってもらいたい」という思い。器は飾るものではなく、料理と出会い、人が使うことで完成する——そう考えながら、形や厚み、手に取ったときの感触を一つひとつ整えています。 京焼の窯元で職人として過ごした経験は、その“使いやすさ”と“丁寧さ”に、確かに生きています。 釉薬がつくる、静かな表情 作風の核となるのは、自身で調合したオリジナルの釉薬。窯の中で溶け、流れ、溜まることで生まれる表情は、どれも一期一会です。 鉄の発色によるグラデーション、深みのある黒、そして赤土に白釉を掛けた、やわらかな変化のある白。どの色も主張しすぎず、料理を受け止め、引き立てるための“静かな色”です。 細部に宿る、気持ちよさ 持ったときに指に自然となじむ形。注いだあとに酒が垂れない、片口の水切れ。裏返したときに気づく、竹の節のような高台のひと手間。 目立たないけれど、使うほどに効いてくる工夫の積み重ねが、北側さんの器の心地よさを支えています。 日々の食卓で、気負わずに使えること。そして、また次も手に取りたくなること。北側雄一さんは今日も、そんな器を、静かに作り続けています。
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宮本 博
― 伝統に息を吹き込み、清水焼の未来を紡ぐ ― 京都・山科の清水焼団地に窯を構える陶芸家・宮本博さん。確かな技術と常に挑戦を続ける作家心で、京焼の伝統を守りながらも新しい息を吹き込むように、日々の作陶を続けています。 60代後半の今も、大壺や大鉢を軽やかに引ける熟達した技術、そして「本物」を追求する探究心を原動力に、自身の作品制作だけでなく、過去名作の復刻や、他者との共同プロジェクトにも積極的に取り組み続けています。 Reborn 乾山「写し」シリーズ 2004年には、MIHO MUSEUM（滋賀県）で開催された特別展の企画「乾山への挑戦」に参加し、江戸期の名陶・尾形乾山の作品の「写し」に挑戦。長年、本物を見続けてきた学芸員から「質量まで本歌に近づくほど」と評されたその観察眼と再現力は、職人としての鍛錬と、作家としての探究を両立してきた宮本さんだからこそ到達できた境地といえます。 書道家や和歌研究者との共同制作にも意欲的...
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村澤 享
― 伝統の火を受け継ぎ、現代に寄り添う ― 栃木県・益子の地で、伝統釉薬の研究と日々の作陶を続ける陶芸家・村澤享さん。益子焼の老舗「村澤陶苑」の五代目として、代々受け継がれてきた土と炎の仕事を担っています。 【登り窯が教えてくれること】 村澤陶苑に残る大きな登り窯は、明治33年に初代が築いたもの。幅5メートル、長さ18メートルにも及ぶ窯で、最盛期には年に4回焚かれ、益子の焼き物の文化を支えてきました。 その大窯も、2011年の東日本大震災で大きな被害を受けましたが、村澤さんは、「登り窯で焼くことを、益子に残したい」という思いを胸に、瓦礫となった土や窯の一部を活かしながら、新しい窯を自ら築き上げました。 いまも機会をつくっては登り窯に火を入れ、伝統の息づく時間を大切にしています。 【伝統と現代の間にある、美しいバランス】 村澤さんのうつわには、益子の土がもたらす穏やかな質感と、伝統釉薬が生む深みのある色合いが静かに息づいています。 一方で、形やサイズ感、そして耐久性には現代の暮らしへの視点を丁寧に落とし込み、「毎日安心して使えること」「手にしたときに心が和らぐこと」を大切に制作されています。 ...
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松原 直之
― 栃木・益子の土に生きた陶芸家 ― 栃木県益子町の里山に窯を構え、生涯を通して陶芸と向き合い続けた、松原直之さん。2024年、静かにその生涯を閉じられましたが、今もなお、その作品は益子の風景の一部として語り継がれています。 近代モダン工芸を修行した益子の陶芸家 焼き物をはじめたきっかけは、「粘土の塊が形になるのが、不思議だったから」。その純粋な好奇心こそが、松原さんの原点でした。 若き日、益子の陶芸家・木村一郎氏に師事。木村氏の紹介で京都・前衛陶芸の巨匠・八木一夫氏のもとで三年間の修行を積みます。京都では線象嵌や、当時秘技とされていた黒陶の磨きなど、現代陶芸の新しい潮流に直に触れ、経験を重ねました。その後、益子に戻り築窯。土と火の息づくこの地で、学んだすべてを自らの感性で溶かし込み、独自の作風を育てていきます。 29歳のとき、師の木村一郎氏はこう評しています。 「近代モダン工芸の世界を修行してきた益子でただ一人の陶芸家。一見して驚かすような仕事は無いが、よく見れば見るほど素直な“延び”や“大きさ”が感じられる。」 その言葉の通り、松原さんの作品には声高な主張はありません。ただ、見つめるほどに奥行きがあり、日々の暮らしに静かな安心感をもたらしてくれる力があります。 師の木村一郎氏は、民藝運動の流れを汲む濱田庄司に影響を受け、河井寛次郎の作陶を手伝うなど、豪放磊落で自由闊達な作風で知られました。...
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松尾 亮佑
京都・山科で作陶を続ける、陶芸家・松尾亮佑さん。やわらかな白の中に、金属の流れや淡い青みが溶け込む器は、和にも洋にも寄りすぎない、穏やかな佇まいを持っています。 静かで控えめでありながら、料理を受け止める力がある。日々の食卓で自然に使われ、いつの間にか手に取る回数が増えていく。そんな“中庸”の美しさを大切にする作り手です。 中庸という、美意識 松尾さんの器づくりの核にあるのは、「中庸」という考え方。どちらかに振り切るのではなく、和と洋、静と動、やさしさと渋さ——そのあいだにある心地よいバランスを探り続けています。 真っ白すぎない釉の色味や、金属が流れ、沈み込むことで生まれる表情は、料理のジャンルを限定せず、自然に受け入れてくれる器へとつながっています。 使い手の声で、器は育つ 松尾さんの制作に欠かせないのが、使い手との対話です。イベントや展示の場で交わされる「使いやすかった」「ここが少し気になった」そんな声を丁寧に拾い、サイズや形状に静かに反映していきます。 口元のわずかな反り、指が自然に止まるくぼみ、高台の深さや持ったときの安定感。目立たないけれど、使うたびに効いてくる工夫の積み重ねが、松尾さんの器の“使いやすさ”を支えています。 流れがつくる、個性 代表的なシリーズ「OOZE（ウーズ）」では、金属の流れがそのまま器の景色となり、一つひとつ異なる表情が生まれます。 同じものは二度とできない。だからこそ、その揺らぎを楽しみながら、使い手が自分だけの一枚を選ぶ——そんな関係性を、松尾さんは大切にしています。 日常の中で、気負わずに使えること。料理と出会って、はじめて完成すること。...
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柳川 謙治
栃木県足利で作陶を続ける、陶芸家・柳川謙治さん。染付・絵付けを施した磁器の器は、中国や李朝時代のエッセンスを取り入れることで、どこか懐かしさを感じさせながらも、古さに寄らない佇まいを持っています。 描き込みすぎない線、真っ白ではないやわらかな白。静かで控えめでありながら、料理をしっかりと受け止める力がある。使うほどに、その“ほどよさ”がじわじわと伝わってくる器です。 余白を残す、という選択 柳川さんの器づくりに通底するのは、「余白」を大切にする姿勢。絵付けは、あえて少し物足りないと感じるくらいで留める。描き込みすぎて完成させてしまうのではなく、料理が盛られてはじめて完成する器でありたいと考えています。 線の太さや濃淡がわずかに揺らぐことで生まれる表情は、整いすぎないからこそ、使い手の自由を受け入れてくれます。 真っ白にしない、やわらかな白 磁器の素材には、九谷（石川県）の土を中心に使用。あえて真っ白に寄せず、ほんのりと温度を感じる白を選んでいます。 キリッとした緊張感よりも、日常の食卓に自然となじむこと。その選択が、染付の青や絵付けの線をやさしく引き立てています。 ひと手間が生む、奥行き...
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田尾 明子
- 土と色に寄り添い、暮らしに息づく器 - 広島県出身の陶芸家・田尾明子さん。手にすっと馴染むやわらかなフォルムと、土ものならではの質感、そして深く優しい色合いが印象的です。 【店主・水野の初めての「作家物」】 実は、d.Agora Store 店主である私・水野が、人生で初めて「自分で買った作家ものの器」が田尾さんの作品でした。初めて手に取ったときの、あのしっくりと掌に収まる感覚と、静かに寄り添うような色合いは、今でも忘れられません。それが、器の世界に深く魅了されていく最初の一歩だったように思います。 【田尾さんが「土と色」に惹かれた原点】 学生時代に染色を学び、自然素材から色を作り出す感性が磨かれた田尾さん。その後、砥部と益子で修行を重ね、土や灰、草木を使った釉薬づくりへと自然につながっていきました。...
